«Querido Fran» | Artículo de opinión por Rafael Alemañ

Bill Viola, "Mary", Instalación Video - Tríptico, 2016

Artículo de opinión firmado por Rafael Alemañ de Rafael Alemany Premium Jewelry en respuesta al artículo "Reivindicando el valor artístico de la joyería de autor".


Rafael Alemany Premium JewelryQuerido Fran:

Empiezo con este saludo afectuoso, como una forma de agradecerte públicamente todo el fantástico trabajo que llevas haciendo desde hace varios años por la AJA, por este artículo que promueve el debate dentro de la misma y por el afecto que nos tenemos. Entramos al mismo tiempo en la Asociación, hemos vivido momentos difíciles con la misma y gracias a tu fe, como a la de Liane, compartimos un futuro repleto de oportunidades. También he querido hacer un guiño “cultureta”, para sacarte una sonrisa, parafraseando aquella famosa carta, “Querida María” en la que el principal exponente de la pintura realista española, renunciaba a su antológica en el MNCARS porque, según su punto de vista, la entonces directora del museo denostaba el realismo (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) ( “Querida María…” Antonio López, diario EL PAÍS, 9/ 12/ 1992). María Corral fue una magnífica directora que trajo a Madrid sobresalientes exposiciones y las instituciones culturales españolas, no valoraban el realismo en su justa medida, como denunciaba el pintor. Ambos tenían razón.

Durante años, las colecciones de la pintura española del XIX estuvieron almacenadas como consecuencia del cierre del Casón del Príncipe. El desprecio esta vez venía del Prado, o más bien de los presupuestos que no habían habilitado un espacio para la exposición de estos fondos, antes de cerrar el que lo albergaba con anterioridad. Ambas personalidades, María y Antonio fueron muy valiosos para la impronta artística con proyección internacional necesarias en esos años. A los que nos interesaba el realismo, mirábamos como ejemplo, el panorama británico, en el que se defendía por igual una vanguardia joven, rabiosa y contestataria, como la representada por la generación llamada Young British Art (los famosos Y´bas) y un realismo devastador de tintes expresionistas de pintores que surgían bajo la gigantesca sombra de Lucien Freud. Porque a mí me atraen artistas que trabajan con la técnica del XVII o de la prehistoria, junto a otros que no tienen el menor interés por la misma. Quizá los pintores realistas no tengan el escaparate que necesitan para tener una mayor proyección internacional, como si lo tienen británicos o norteamericanos, pero creo que es algo que en mayor o menor medida padecen la mayor parte de artistas españoles.

He leído gracias a tu recomendación el artículo del director del MEAM José Manuel Infiesta. No conocía el museo y por lo expuesto anteriormente me alegra mucho su existencia para dar a conocer, con la dignidad que merecen, a los pintores representantes del movimiento realista en el presente. Ojalá tenga oportunidad de visitarlo en breve. Quiero también puntualizar algunas de sus opiniones. No he podido evitar extenderme sobre este artículo, ya que lo citas a modo de introducción manifestando que “te sientes totalmente identificado con su punto de vista”. Hablemos de arte pues citando textualmente al Sr. Infiesta:

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Comienza con una frase que no considero ajustada y que minusvalora el arte contemporáneo. “…el arte del siglo XX se ha caracterizado por la destrucción de la forma, por elevar la abstracción y la experimentación a algo sagrado, así como por la destrucción de los valores tradicionales”.

El período que conocemos como vanguardias artísticas o modernidad se caracteriza por una investigación formal que yo no considero de destrucción: búsqueda de nuevas maneras de representar el espacio, el tiempo, los puntos de vista, nuevas armonías cromáticas, la tecnología de su tiempo, el inconsciente, los fenómenos ópticos… las soluciones para representar el mundo del realismo (la perspectiva cónica, el traslapo, el claroscuro) son estereotipos articulados de forma similar a los labrados por el cubismo, fauvismo, futurismo, etc. No mejores, sino distintos. Además, varios de estos movimientos no se centraban sólo en la experimentación formal (que no destrucción; la forma no puede destruirse, porque nuestro aparato perceptivo se basa en la recepción de un elemento como forma y otro como fondo, las abstracciones también son formas), sino aspiraban a crear un hombre nuevo (cambiar su forma de pensar, de entender su sexualidad, de relacionarse con el mundo…).

Muchos de los artistas que dieron vida a esas vanguardias, eran grandes conocedores de la tradición, se sentían pertenecientes a ella y por supuesto no querían destruirla. Pocos pintores, también los realistas, conocerán en profundidad la obra de Ingres como Picasso, a Tiziano como Matisse, a Miguel Ángel como Brancusi, a Goya como Munch, y la lista se haría larguísima. Pero supongo que habré empezado a leer el artículo de forma susceptible y que un director de un museo de este tipo no menosprecia las vanguardias, no cae en el error que han padecido los realistas en sus carnes.

El primer párrafo termina diciendo “Pero ahora con el final del siglo vemos que el ciclo se da por satisfecho, la destrucción de la forma ya no da para más.” Lo cierto es que a esa conclusión llegaron la mayor parte de movimientos artísticos tras la II Guerra Mundial, por eso los libros escolares de arte, dan por finalizada la Modernidad para dar comienzo a un período al que conocemos como Posmodernidad. El arte más avanzado renuncia a la investigación formal (con muchos matices) para centrarse en otros problemas que consideran más acuciantes para los seres humanos de su época, ya sea el impacto de la cultura popular, la aceptación de la fotografía y el cine como arte y lo que esto modifica los valores de lo que consideramos artístico, la autoría, el mercado del arte y mucho, mucho más.

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«Reivindicando el valor artístico de la joyería de autor» | Artículo de opinión por JF Alfaya

925lab - Espacio que ocupa la joya de autor

Artículo de opinión firmado por José Francisco Alfaya de Decimononic.


Jose Francisco AlfayaHace algún tiempo leí una entrevista a José Manuel Infiesta en el diario El Prisma. El Sr. Infiesta es el Director del MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) y debo confesar que sus palabras me impactaron muchísimo: en primer lugar, porque me siento totalmente identificado con su punto de vista y, en segundo lugar, porque su testimonio es sobrecogedor. Por tanto, voy a tomarme la licencia de tomar una cita de su entrevista como punto de partida para reflexionar tanto acerca de la relación entre arte moderno y joyería como sobre la relación entre joyería de autor y joyería contemporánea.

Voy a comenzar por el principio, tratando de dar respuesta a una pregunta que he escuchado en infinidad de ocasiones: ¿no es lo mismo joyería de autor que joyería contemporánea?

Joyería contemporánea vs joyería de autor

En febrero de este año tuve la oportunidad de disfrutar de la entrevista resultante de una conversación entre creadores: Jorge Rojas y Ramón Puig Cuyás. En esta entrevista el S. Cuyás afirmaba sin ambages que "la joya de autor es un término confuso que solo nos indica la voluntad de autoría, pero no nos da información de si es un producto artístico, de artesanía, de diseño o de joyería convencional". Considerando que, ademas, el Sr. Cuyás es un reputado docente tan sólo puedo llegar a una conclusión... desde la Asociación Española de Diseñadores de Joyas de Autor (AJA) tenemos aún mucho por hacer.  La AJA defiende un concepto de joyería de autor con el que me siento identificado y que reproduzco a continuación. Así, la joyería de autor se caracteriza por:

  1. La existencia de un discurso creativo singular y perfectamente reconocible que, normalmente, se identifica con el autor. Es cierto que también puede darse el caso de que se trate de una obra coral, un proceso creativo compartido entre varias personas concretas con un proyecto común (estableciendo un paralelismo con las artes escénicas: Les Luthiers o Tricicle son dos proyectos artísticos colectivos; así, ni Les Luthiers es Les Luthiers si falta alguno de sus componentes, ni sus componentes por separado son Les Luthiers).
  2. La utilización de técnicas (semi)artesanales propias de la joyería, a sabiendas de que todo fruto de un proceso artesanal es, necesariamente, único.
  3. La búsqueda de la máxima calidad, búsqueda que se plasma en varias dimensiones (de entre las que destacaría la selección de materias primas, la maestría técnica y la usabilidad).

Desde mi punto de vista, los dos primeros puntos son asumidos como propios tanto por los creadores de joyería contemporánea como por los creadores de joyería de autor. Es en el último punto en el que se produce la divergencia, manifiesta en algunas ocasiones y sutil en muchas otras... pero existente.  Aunque generalizar siempre es peligroso, mi sensación es que, de forma habitual, los diseñadores de joyería de autor no renuncian a la tradición, sino que la toman como punto de partida:

  1. Apuestan por materiales preciosos y duraderos (que, recordemos, son aquellos que se caracterizan por su rareza y escasez en un momento histórico determinado),
  2. Ponen todo su empeño para que la ejecución técnica sea adecuada.
  3. Se cercioran de que sus piezas de joyería sean aptas para su uso natural (que una persona las pueda lucir).

Por el contrario, y también generalizando, tengo la percepción de que los creadores de joyería contemporánea parten de la ruptura con toda tradición y están dispuestos a sacrificarlo todo en aras de su discurso creativo.

Como no podría ser de otra forma, respeto este enfoque... pero no lo comparto. Mi elección, como creador de joyería de autor, es otra. ¿Acaso alguna de estas opciones tiene un mayor valor artístico que la otra? ¿Es defendible que el hecho de romper con la tradición -o el hecho de no hacerlo- implique, necesariamente, que una propuesta es superior, artísticamente hablando, a la otra? En mi humilde opinión, no. En ningún caso.

La técnica y el oficio

José Manuel Infiesta denuncia abiertamente que las obras expuestas en el MEAM no tendrían cabida en ningún otro museo de arte moderno. ¿Por qué? Por una poderosa razón: al tratarse de arte figurativo, no se ajustan al imperativo del discurso dominante que impone la industria del arte, un discurso para el que parece que tan sólo el arte abstracto tiene cabida en el arte moderno. A pesar del patente divorcio entre el público y la industria del arte, el arte figurativo ha sido desterrado en beneficio del arte abstracto. Es imposible vaticinar lo que pensarán las generaciones futuras acerca del arte de los siglos XX y XXI. ¿Considerarán que se trató de una era dorada o, al contrario, de una época oscura en la que los mercaderes asaltaron el templo?

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«La importancia de la colaboración» | Artículo de opinión por Liane Katsuki

Colaboración de Liane Katsuki y Cabranes Joyeros

Nos complace compartir con vosotros este artículo de opinión firmado por Liane Katsuki, Presidenta de la AJA


aja_katsuki_liane_round_smallEstoy consciente, desde hace años, de la gran importancia que existe en la colaboración entre los diseñadores de joyas y los joyeros.

En el mundo del arte, tanto como en el mundo empresarial, o sea, de los negocios, la colaboración se hace necesaria para lograr los objetivos deseados y llegar a una buena meta.

Mucho más ahora todavía, en estos tiempos económicamente difíciles, no solamente en España pero internacionalmente hablando.

Sabedores de la importancia de la colaboración, hemos buscado “Joyeros Cabranes” y yo unir nuestros conocimientos y posibilidades.

Me acuerdo muy bien de nuestro primer contacto en el año 2000, cuando una amiga común, y que apreciaba mucho mi diseño, me ha presentado a Joyeros Cabranes, en su joyería ubicada en Calle José Ortega y Gasset, 54 en Madrid, desde el año 1940.

Me han recibido muy amablemente. Y un detalle importante: Manolo Cabranes dice a su hermano Paco “¿sabes quién es esta señora? Acabo de escuchar una entrevista suya por la radio Intereconomía, es Liane Katsuki, la famosa diseñadora de joyas y escultora”. Ha sido un “abre-puertas” a nuestro inicio de colaboración.

Joyeros Cabranes, muy sensibles al arte, han comprendido perfectamente mi mensaje: “La Joya es una obra de Arte, una mini-escultura que adorna el cuerpo. La Joya, desde los primordios de los hombres, es utilizada para dar satisfacción a la vanidad del cuerpo adornado por ella, ofrece emoción e intimidad física con la belleza artística.

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«Un paseo por mi mundo de la Joya» por Liane Katsuki

Liane Katsuki - Anillo Fénix

Artículo de opinión firmado por Liane Katsuki, Presidenta de la Asociación joyas de Autor (AJA).


 

aja_katsuki_liane_round_smallMi capacidad y mi creatividad en el Arte están juntas en coherencia con mi trabajo y mi verdad. No pueden estar disociadas de mi visión del mundo, sea visto por el prisma de una micro o de una macro-realización. Una joya para mi es una obra de Arte, es una mini-escultura con una función añadida, la de adornar.

Mis inicios en el Arte han sido a través de la pintura y el grabado. Por el deseo de expresarme en el Arte a través de la 3ª dimensión he empezado a realizar joyas. Igualmente he encontrado mi lenguaje en la escultura.

Los criterios o conceptos que se barajan en mis diseños son, sobre todo, los de la belleza y pureza de la forma. Siempre con el concepto de la creación de una obra de Arte, que transmita belleza y creatividad. Me encanta diseñar una joya conociendo a quien será su dueño, ya que su personalidad me inspira e influye en mi creación; desde mi punto de vista, se trata de un desafío positivo en el universo del diseñador.

Utilizo la plata y el oro, por ser metales nobles, y gemas. Los metales adquiero en los talleres de los orfebres que colaboran conmigo. Las gemas en lapidarios o las compro directamente en proveedores de distintos países.

Entre los diseñadores que marcaron con sus diseños la historia de la joyería, para mi destacan: Charles Lewis Tiffany, Bulgary, Boucheron, Carrera & Carrera, Grassy, Harry Winston, van Cleef & Arpels, Chaumet. ¡También hubo pintores, tal como Matisse y Dalí, que me impresionan mucho con sus bellas joyas!

Una mujer de buen gusto siempre sabe sacar el mejor partido de una joya. Entre las más elegantes mencionaría a Elisabeth Taylor, la duquesa de Windsor Wallis Simpson, Jacqueline Kennedy, Marlene Dietrich, Mouna Al-Rashid, Barbara Hutton y Joan Crawford. Siempre he pensado que una mujer elegante y de buen gusto usa lo más bello con parsimonia.

Dentro de los personajes públicos hay muchas bellas mujeres que saben lucir bien las joyas. Por citar algunas; Eva Herzigova, Nicole Kidman, María Félix, Madonna, Sarah Jessica Parker, Anne Igartiburu, Susana Griso, Mar Saura o Sara Carbonero. Seguramente me habré olvidado de mencionar otras cuantas...

Hay muchos museos con una buena colección de joyería de diferentes épocas. Me gustaría mencionar: el Museo del Hermitage en San Petersburgo, el Museo Calouste Goulbenkian en Lisboa, el Museo Bagués-Masriera en Barcelona, el Museo de Victoria & Albert en London, el British Museum en London, el Kunsthistorisches Museum, en Wien (Austria).

Entre las mejores ferias de joyas puedo citar por ejemplo: Inhorgenta en Munich, Baselworld en Basilea, Vicenzaoro en Vicenza, Hongkong International Jewelry Fair en Hong Kong, Madrid Joya en Madrid y la Dubai International Jewelry Week.

«El futuro de la joya de autor» por Rafael Alemáñ | Artículo de opinión

"El futuro de la joya de autor en España" - Asociación Joyas de Autor

Artículo de opinión firmado por Rafael Alemáñ de Rafael Alemany Premium Jewelry.


Rafael Alemany Premium JewelryEn primer lugar quiero agradecer a la Presidenta de la Asociación Joyas de Autor, Liane Katsuki, y a los coordinadores de esta publicación y verdadero motor de la misma, Irene López y José Francisco Alfaya, por su invitación a participar en este proyecto. Es un privilegio poder compartir un espacio con diseñadores con una larga experiencia en el sector, como Laura Márquez o Carlos Pereira, entre otros muchos, a los que me une una relación más que profesional.

Llevo relativamente poco tiempo trabajando en el mundo de la joyería. No he recibido una formación reglada en el tema. Tengo grandes carencias en el oficio, al que respeto mucho. Mi acercamiento es intuitivo e intento que desenfadado, lo que obliga a relativizar muchos de los puntos de vista que pueda ofrecer en este sobrevuelo del tema.

Soy licenciado en Bellas Artes y mi mayor experiencia se centra en la creación en el mundo de las Artes Plásticas y su docencia, incluido el campo del Diseño en general. Inevitablemente mis observaciones se producen a través de ese prisma.

Un Viaje.

Invito a hacer un viaje al pasado para visitar uno de los centros de formación mitificados en el mundo del Diseño, la Bauhaus. Sus profesores, bajo la dirección de Walter Gropius, consideraban imprescindible formar personas con una sensibilidad creadora 1) en el arte de vanguardia y 2) en la tecnología industrial. En sus comienzos (1919) los profesores conocedores de la estética carecían de la formación necesaria para ocuparse de su traslado a los materiales y contaban con el apoyo de maestros de taller (metal, madera, textil, imprenta). Una segunda generación de profesores, surgida de entre los alumnos más destacados de la escuela, acabó con esta división. Surgía así un nuevo oficio, el de diseñador. Frente al artesano, éste programaba un producto para su fabricación industrializada.

La Tecnología.

Un chasqueo de dedos nos puede devolver al presente para pensar que podemos aprender de esta experiencia. Si la persona con una sensibilidad artística estaba alejada de la producción industrial, ahora lo está en la producción tecnológica. El futuro está en la educación. Actualmente separamos a los alumnos en la enseñanza media en Artes y Ciencias. Las titulaciones de diseño que exigen una alta capacitación tecnológica (Diseño de Videojuegos, Grafismo computacional, etc) están vedadas para los primeros. Si no resolvemos esta fractura, la formación de los alumnos en el diseño, incluida la joyería, dará pasos en falso. La capacitación tecnológica no consiste únicamente en el manejo de un determinado software, sino en hablar el lenguaje del código (programación) que permitan al diseñador desarrollar sus propios programas, en el conocimiento de cómo se producen nuevos materiales de forma artesanal empleando tecnología avanzada, en la creación de diseños interactivos que hace que el interesado en nuestra joyería sea un cómplice.

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